「何も考えずただ純粋に楽しんで音楽を聴いてた頃の感覚に再びアクセスした」ジュリア・ジャックリンが語る『Pre Pleasure』

「何も考えずただ純粋に楽しんで音楽を聴いてた頃の感覚に再びアクセスした」
ジュリア・ジャックリンが語る『Pre Pleasure』

24 December 2022 | By Nana Yoshizawa

ジュリア・ジャックリンというアーティストは、偶然の流れに身を任せるタフな人だ。彼女の音楽のインスピレーションは、まっさらな幼少期の頃に凝縮されている。もはや無意識に蓄積し尽くしているのかもしれない。8歳のときに父親のCDプレーヤーから再生された、セリーヌ・ディオンの「Because You Loved Me」を聴いていた記憶は、現在のソングライティングに繋がる影響をもたらした。そして、美しいと感じる音楽に浸る喜びを、感覚で捉えたのだろう。3年ぶりのアルバムとなる3作目『Pre Pleasure』は、そんな過去の喜びを表した作品であり、ジュリアの自己洞察に優れた作品でもある。

前作『Crushing』（2019年）はフォーキーなギターが中心のSSWといった印象が強かった。今作ではギターを離れ、主にローランドのキーボードを使い曲を書いたそうだ。新たにドラム・マシンを取り入れる試みは、冒頭の「Lydia Wears A Cross」から反映されている。だが、新しいことにチャレンジする好奇心とは、対照的に思える歌詞があった。彼女の実体験である、幼少期の宗教に対する恐怖や違和感が綴られた内容なのだ。もう一つ、彼女の体験として象徴的な「I Was Neon」。渦巻く骨太なギターリフの上を、クリアなヴォーカルが伸びる。どちらも感傷に傾きすぎない、鋭敏な歌詞にも注目してみてほしい。

今作の共同プロデュースは、アーケイド・ファイア、ザ・ウェザーステーションらを手掛ける、マークス・パクィンを迎えて制作された。そして『Pre Pleasure』を彩るうえで重要なストリングスのアレンジに、オーウェン・パレット（アーケイド・ファイア）を迎えている。彼女にとって、アルバム制作をするごとに新たな場所へ行き、新たなメンバーとセッションをするのは、デビュー・アルバム『Don’t Let The Kids Win』（2016年）から欠かせないことなのだろう。

USツアーを終えて、オーストラリアに戻ったばかりのジュリア。多忙な中、ZOOM越しに手を振りながら始まったこのインタビューでは、彼女の音楽遍歴や、カナダでレコーディングされた新作『Pre Pleasure』について大いに語ってくれた。
（インタビュー・文／吉澤奈々　通訳／竹澤彩子）

Interview with Julia Jacklin

──あなたはすでに10歳のときには、クラシックの歌のレッスンをはじめていたそうですね。どのようなきっかけで音楽に興味を持ち、あなた自身も始めようと思ったのでしょうか？

Julia Jacklin（以下、J）：うわー、えーっと、どこから始めよう？　子供の頃からお話を書くのが好きで、それとクラシックの歌のレッスンも受けてたのね。それで18歳ぐらいのときかな、高校の同級生にギターのコードを教えてもらって……17歳とか、18歳とかそのくらい？　それでボンヤリと『歌を通してストーリーを伝えるのとかもありなのかも』って、本当に何も考えずにボンヤリと。ただ、それが後になって思えば大きかったんだろうなあって、友達がバンドに誘ってくれたってことで。そのとき自分は歌だけ担当で、友達がメインで曲を書いてて。そこから、もっと自分なりに貢献したいっていう欲が出てきたのかなあ……だから本当に遅咲きだし、周りの人達と一緒にやっていくうちにって感じ。

──それ以前からポップやロックを聴いてたんですか？

J：2000年代後半で、ちょうどフォーク・リヴァイヴァルみたいなのが起きてる時期だったから、フォークを中心に聴いてたよ。マウンテン・マンとかよく一緒に歌ってたり、あとアナイス・ミッチェルとか……アナイス・ミッチェルが出した『Hadestown』ってフォーク・オペラに合わせてよく一緒に歌ってたよ。

──キャリアとしては、2014年にインディーロック・バンド、ファンタスティック・ファーニチャーを結成、2018年にデビュー・シングル「Fuckin’ Rollin」をリリースしています。このときから、あなたの深みのあるヴォーカルは確立されていた印象を受けました。

J：もともとクラシックの声楽をやってたんで、そこで身につけた癖をほどいていくのが大変で。声楽を習ってたこと自体は自分にとって確実にプラスだけど、必ずしも自己表現に適した歌い方ではないよね。それでまったく違う種類のシンガーを参考にしてみたり、それこそフィオナ・アップルみたいな感情爆発！みたいな歌い手を聴いて、完璧であるかどうかなんて重要じゃない、それよりも感情だよなって思い返したり……あとはエディット・ピアフだよね！　何をもっていい歌い手なのかの基準が根底からひっくり返った。エディット・ピアフ自身、クラシックの素養があって、それを歌いこなせるスキルもあるんだけど、それを凌駕するほどの表現力に溢れてて。だからヴォーカルに関しては、これまで自分が声楽で身につけてきた常識を一つ一つ外していきながら、とにかく色んな人の歌を聴きながら、今のスタイルに至るっていう感じだよね、うん。今だって現在進行形で摸索してるみたいな感じだしね。声ってつくづく奥が深いなあって。自分のものなんだけど完全にコントロールしきれないところとか……それでも歌っていくうちに自分の中での手応えみたいなものが実感できる瞬間が確実にあって、それが思いもがけない境地に自分を導いてくれていったりとかするからね。

──2016年にデビュー・アルバム『Don’t Let The Kids Win』をリリースして各メディアから高い評価を受けます。当時アルバムのレコーディング費用のために工場で働いていたそうですが、取り巻くまわりの変化をどう感じましたか？

J：うーん、いまだにその変化に追いついていってんだかどうだか（笑）。実際、今言われた通りの展開になって、自分でもまわりに指摘されて『あ、そうか』って思うことはありつつ……で、そうした出来事が積み重なって、『あ、自分って今そうなんだ』とか折りに触れて実感する、みたいな。一夜にしてすべてが変化したっていうよりも徐々にっていう感じだったから。だってあのアルバムが出る前に、すでに６，７年音楽活動してたわけだから。とはいえ、ものすごくシュールだったのはたしか。それと職場の人が大喜びしてくれたのをすごく覚えてる。そのとき働いてた職場が退職者が出ると全員で『わー、おめでとう！卒業だね！』っていう雰囲気のとこだったの（笑）、すごくいいでしょう？　私の記事がオーストラリア国内の新聞に載ったのを上司が切り取って額に入れて飾ってくれたりして（笑）。良い職場だったよね。前にも色んなところでバイトしてたけど夢を追いかけてるせいでまわりから面倒臭がられたり、成功でもしようものならやっかまれたところだったけど、その職場はみんなが背中を押してくれるような環境で、すごく前向きな気持ちで次のステップに移行することができた。ライヴが忙しくなるにつれて徐々にシフトの数を減らしていって、気がついたらスケジュールがライヴで埋まってて退職するしかなくなった。でも今になって振り返ると、あまりにも目まぐるしくて何が何だかわかんなかったんだと思う……というか正直、今になってようやく冷静になって自分の身に降りかかったことをようやく受け止められるようになったような気がしてる。自分が成長して賢くなって、あの頃に比べたら多少は大人になったわけだから。とにかく自分の人生の中でもおかしな狂った時期であったことはたしかだと思う。

──この２年間は、あまり音楽を演奏せず聴くことで音楽と再びつながることを試みたそうですね。とくに、セリーヌ・ディオン、ロビン、ルーサー・ヴァンドロスをよく聞いていたそうですが、これらの音楽に惹かれた理由はなぜでしょう？　

J：うーん、自分がやってるこういう系の音楽って、日々の細かな感情の動きやディテールに気を配っていくって方向にどうしても流れがちで。その反動のせいか、とにかくビッグで大雑把でもいいから愛について歌っちゃうとか、何だったらフリつきで踊っちゃうぐらいの（笑）。バーンッって感じのノリの曲が聴きたくなって、自分でもそれを歌ってみたいっていう衝動に駆られちゃって。ただでさえこの２年間、自分の思考に四六時中つき合ってる状態にウンザリしてたこともあったし（笑）。そもそもインディー音楽とか、インディー系のミュージシャンをやってると、どうしてもシリアスになりすぎっていうか……。ともするとシリアスな方向に流れがちな気がして。だから自分について細かいことはとりあえず脇に置いといて、音楽の喜びに身を任せましょうみたいなノリをすごく欲してた。今言ったアーティストの音楽を全身に浴びることで、そうした部分での音楽の楽しさや美しさを思い出したんだよね。自分が表現すること一つ一つに意味を込めなくてもいいわけで、個人じゃなく大枠の人間という領域で生きることの喜びを歌い上げる、みたいな。いわゆるインディー、フォーク、ソングライター系って、必ずしも聴いてて気持ちがアガるものではないし、むしろあえてサゲにかかるみたいな（笑）。それによって一瞬だけでも人生の深遠について考えさせるような、そこが魅力なんだけど。ただ今回は、何も考えず能天気に愛や喜びを歌っちゃうノリに惹かれたんだよね。子供の頃に好きだった音楽が、まさにそっち系統だったから。音楽の喜びに身を浸すことで、何も考えずにただ純粋に楽しんで音楽を聴いてた頃の感覚に再びアクセスした。それこそ子供の頃の、世間にさらされる前の感覚を取り戻したっていうか、何がクールで何がそうじゃないかって価値基準も身につける以前の感覚を思い出したんだよね。

──あなたはセリーヌ・ディオンの音楽を“ビッグなポップミュージック”と表現しています。“大きな美しい曲”という言葉は、今回のアルバムにまさにあてはまると思いました。今回目指してたのは、やはりその辺りのサウンド？

J：そうだね、自分の中でもうちょっと喜びを表現しちゃってもいいんじゃないの？って。扱ってるテーマはヘヴィかもしれないけど、せめてサウンド的には気持ちを高揚させるものにしたかった。今回ストリングスにぐっと踏み込んでるのも、そういう理由からだし。あるいはディテール的な部分に関しても、カラフルで楽し気な音をちょいちょい取り入れてみたりとかしてね。

──シリアスになりすぎずに、遊び心を出していく上でどのような工夫をしましたか？

J：今回キーボードとドラム・マシーンを中心に曲を書いてるんだけど、それだけでもかなり通常モードから離れる手助けになったんじゃないかな。普通にギターを片手に曲を作り始めたら、ギターを手にしたときのいつものモードや自分の好きなコード進行にって、自分の慣れてるパターンに流れがちだけど、たとえばキーボードのチャラい一音が紛れ込んだだけでも全然違ってくると思うんだよね。だって自分の使ってたキーボードは全然本格的なものじゃないから、そりゃチャラくなるって（笑）。ドラム・マシーンにしても、楽器の性質からしてシリアスよりは遊び心重視みたいな感じだし、自分もそこに引っ張られた部分があったと思う。それこそ子供が遊びで鍵盤の前に座って、指一本でポロンポロン音を出すような感覚……。それでシンガー・ソングライターのモードから抜け出せたのかも。だから、ただ使ってる楽器を変えただけでも大きかった。それによって自分の書き方が変化したと思うし、そもそもキーボードの弾き方とか、私自身全然理解できてないから。鍵盤を押して『あ、この音好き』とか、そういうノリでやって自分にとって何が気持ちいい音なのかって乗っかれたのかも。キーボードで素晴らしい音楽を奏でるとか期待してなかったおかげで、肩の力が抜けたのかもね。

──ヴォーカルに関してはどうでしょう？　前作『Crushing』はバリエーション豊かなヴォーカルの印象でしたが、今回のアルバム『PRE PLEASURE』は静かで力強いヴォーカルが象徴的です。ソングライティングをギターから離れて、キーボードで行ったことも影響しているのでしょうか？

J：ああ、それもあるかも、特にドラム・マシーンを使ったことで。ドラム・マシーンを使うとメロディーにどうしてもリズム的な要素が色濃く出ていくし、歌詞も歌もタイミングに合わせてズバッと決めなくちゃいけないから。メロディーに関してもフォーク・ミュージックを歌うみたいに流暢なフローでとはいかないから。それによって、自分の歌い方や歌詞の言葉の紡ぎ方が変化していった部分は、物凄くあると思う。

──アルバム・ジャケットと示す「I Was Neon」を最初に書いたのは2019年で、あなたがドラムを担当していたラトルスナックというバンドのためだそうですが、あらためて今回作品が完成してどのように感じますか？

J：そう、あれは本当におかしな曲なんだよ。私の場合、曲を書いてレコーディングした時点で『はい、終了』ってなるんだけど、この曲に関しては最後の最後まで本当に苦労した！　書くのもレコーディングも今までで一番手こずった曲かもしれない。というか、最初は今回の曲の中で一番楽勝じゃないかって踏んでたんだよ、曲はすでに仕上がってるわけだし。ただ、あまりにも長いこと引っ張りすぎた結果、自分の中でのハードルが上がりすぎちゃって。その結果、どの最終形にしたらいいかわからないみたいな。それ以外の曲に関しては、前日に書いて次の日にレコーディングしちゃうとか、圧倒的にレコーディングするまでの時間が少なかったから、自分の中で期待を膨らませてるヒマもなかった。だから今でも時々思うのは……いや、あのアルバムに入ってる「I Was Neon」もすごく好きだし気に入ってるんだよ。でも、いまだに『あー、もうちょっと時間があったらもっとなんとかしてたのに』って考えちゃうことがある（笑）。でも、とりあえずケリをつけなきゃなんないって思うこともあるわけじゃない？　自分から手離すことで曲をちゃんと日の目に出して上げるために。“I Was Neon”はレコーディングの最終日に、プロデューサーのマークスに『いい加減しないとほんとヤバいよ、どうしたいの、ねえ？』ってせっつかれながら、『いや、わっかんない！』って悲鳴を上げながら仕上げた曲（笑）。面白いよね、曲作りって本当に不思議。ギリギリまで粘って、最後はエイヤって感じで自分の手元から送り出した曲だね。

──だいぶ昔に書いた曲を再訪問して作る、というのも感情的に色々ありそうですよね。

J：うん、そこも自分がこの曲に特別思い入れがある理由の一つでもあるんだよね。ラトルスナックで私はドラム担当で友達のトムが歌う形だったから、普通に自分で曲を書くのとはまた違った面が出てきてると思うし。そうやって色んな形で受け継がれながら、今回いよいよ私からリスナーの手元に渡るんだと思うと、本当にすごく感慨深い。自分の一部のような、私にとってすごく大切な曲。なにしろ人前に出すまでに、長いこと手塩にかけて大事に育ててきたんだもの。

──カナダ・モントリオールでのレコーディングですが、環境から受ける影響はありましたか？

J：アルバムごとに場所を変えてて、ファーストはニュージーランドで録ってるし、セカンドはオーストラリアで、今回のはカナダっていう具合に。レコーディングする度に新たな環境の中に身を置くってことが、自分にとっては結構なポイント。それこそ言葉にはできない脳内レベルで作用する、何か絶えず緊張感にさらされてる状態っていうの？　一枚の作品を作り上げる上で自分にはその刺激が必要なんだと思う（笑）。落ち着かなくてソワソワするぐらいのほうがちょうどいいっていうか、リラックスしすぎると脳味噌のほうもダラーってなっちゃうから（笑）。自分自身をシャキッとさせるためにも、新しい環境に行って新しい人達と一緒に組んで、刺激を受けることが自分にとっては必要かな。しかもモントリオールは本当に美しくて、クリエイティヴな雰囲気に溢れてる。ちょうど自分が滞在してるとき、暑さがだんだん穏やかになって、小雪がチラつくまでを体験することができた。自分の地元よりも四季の変化を強く実感できたのもすごくよかったな。移り変わる変化の中に身を置いてるだけでも、ものすごくインスピレーショナルだったし、心の中ではもはや第二の故郷みたいに感じてるくらい。あの街で音楽を作れたことが、すごく貴重な体験になったよ。

──今回のアルバムには、オーウェン・パレットやザ・ウェザーステーションのメンバーらカナダのミュージシャンが参加しています。彼らのアルバムを手掛けるマークス・パクィンを共同プロデューサーに迎えて、アルバムを制作しようと思った理由や経緯を教えてください。

J：最初のきっかけは、ザ・ウェザーステーションの２人（Ben Whiteley、Will Kidman）なんだよね。ザ・ウェザーステーションのメンバーが過去４年間、私のバンドで演奏してくれたからツアー仲間とアルバムを一緒に作ろう！ってアイデアから始まったんだ。だから本当に偶然というか、『よーし次はカナダで、マークス・パクィンを共同プロデューサーに迎えてレコーディングしてやろう！』って感じじゃ全然なかった。彼らのお勧めでマークスとも繋がった感じ。友達からの情報というか、今回に限らず自分の場合、毎回そのパターンかも（笑）。

──サウンド面で、とくに焦点を置いていた部分はありますか？

J：ザラついた美しさみたいな、骨があるけど美しいみたいなイメージを思い描いてたかな。それで言うとロビンのプロダクションに今回ものすごい影響を受けてたよ。あとは、スロッビング・グリッスルをよく聴いた。あのインダストリアルで触感に直に訴えかけながらも、チャイムや美しいオーケストラが響いてくる感じがいいなって。いやでも、実際のところどうなんだろう？　今回とにかく遊んで実験しまくった感じというか、初めて時間も予算も余裕のある中で作ったアルバムだったからね。その場で適当に思いついたことを出来る環境は、プロデューサーのマーカスの頭の中で毎回危険信号が作動してただろうけど（笑）。でも、それが自分のやりたかったことだったから！　だって２年間も曲作りから離れてたんだもの。ただ楽しませてよって気持ちと、流れに任せたい気分だった。好き、美しいと思う音楽を目の前に形にして実現させてやろうって気持ちだったよ。

──アルバム後半の「Be Careful With Yourself」から「End of a Friendship」の華やかで儚いストリングスは、デヴィッド・ボウイの「Heros」を彷彿とさせるドラマティックさがあります。今回ストリングスをサウンドに加えたのは、どういった意図があったのでしょうか？

J：特に、ラストの「End of a Friendship」なんかそうなんだけど、アルバムの終わりを映画みたいな大団円で送り出すような展開にしたくて。壮大なオーケストラをバックに、主人公であるヒーローの姿がスクリーンの中に消えていくみたいな。過去2作の終わりがフォークっぽい曲だったことに対する反動もあって、真逆の展開を望んでたのもあったし。でも、どうやってそれを実現に導いたのかは私には謎の領域で……これはマーカス、彼と長年一緒に仕事してきてるオーウェン・パレットのおかげ。傍目には私ががっつりオーケストラ部分にも携わってるように見えるのかもしれないけど、役割としてはハーモニーを鼻歌でiPhoneに録ったのを、オーウェンに任せただけなの（笑）。それをオーウェンが、プラハでオーケストラと録音して仕上げてくれて、自分もZOOM越しに録音に立ち会ったけど、わずか2テイクで無事終了。何の苦労もなしに、あっさりと自分が思い描いてた音が実現する瞬間を目撃した初めての経験だった。これを次のアルバムで自力で再現しろって言われたら絶対無理だけど（笑）。今回に限っては『すごい、はい、OKです！』みたいな感じだよ。

──コートニー・バーネットのツアーに参加したアーティストによるオムニバス作品『Here And There: B-Sides、Live Tracks + Demos』にあなたも参加されてます。コートニーを始め、スリーター・キニー、フェイ・ウェブスターなど女性アーティストによるフェミニズムを意識した内容と捉えましたが、あなた自身はどのような印象をお持ちですか？

J：もともと、女性アーティストがまわりに多かったのもあるし、自分が好きなアーティストもほぼ女性で、今女性アーティストが台頭してるのも、自分にとっては全然不思議じゃない。むしろ、ようやくまともな状態になった気がしてる。今は世界中から女性アーティストが出てきて、最高の作品をバンバン出してるし。女性側としては昔から自分達には才能があると認めてたし、ただ十分な機会が与えられてなかっただけで。それが今では女性アーティストにも、ちゃんと平等に注目されるようになって。そういう意味では、今の時代は女性アーティストにとってすごく生きやすい時代になってるんじゃないかなあ……。コミュニティの繋がりも、先輩や同世代の女性アーティストで尊敬してる人達もたくさんいるしね。今言ったコートニー・バーネットなんかまさにそうだけど、友人でもあり常にインスピレーションをくれる存在。とくにオーストラリアの女性アーティストにとって、数々の扉であり新たな可能性を開いてくれた第一人者でもあるから、本当に素晴らしいことだと思うよ。

──メルボルンのバンドRVGとビョークのカバー曲「Army Of Me」をリリースしたり、カバー曲のレパートリーも豊富ですよね。これから演奏してみたいカバー曲はありますか？

J：そうだなあ、カイリー・ミノーグ！

──「I Was Neon」のMVにもカイリーの写真が登場してましたね。

J：そう、大ファンだから、いつか歌ってみたい。

──ちなみにカイリーのどの曲？

J：「Come Into My World」だろうね、一番好きな曲なんだから。

──とはいえ、70年代のフィーリングもありますよね？

J：それはやっぱり、子供の頃に聴いてた音楽の影響からは、どうしたって逃れられないもの。それに今の時代だからこそ、あの時代の感触が心地よく響くってこともあるんじゃないかな。アナログテープに全部焼きつけるようなノリや感触を、どこかで追い求めてるような気がしてる……意識していないところでね。それが今回のアルバムにも、どこかのタイミングで偶然に出てきちゃってるのかもね。だって、そもそも両親が聴いてた音楽で、それが自分の人生の一部であり染みついちゃってるわけだし。

――今日はありがとうございました！　明日にはまたツアー再開なんですよね？

J：そう明日からまたツアーなんだよね。

――日本に来る予定などは？

J：ぜひ日本に行きたい！　今は『日本においでよ、みんな待ってるよ』っていうお誘いの声を待ってる状態（笑）。

＜了＞